Críticas de Panorama y otras secciones paralelas

Reseñas de los apartados no tan conocidos de la programación y, por lo tanto, los más difíciles de seleccionar. En los próximos días iremos ampliando esta guía.

PELÍCULA DE CLAUSURA

-L’Enfant d’en haut (Sister), de Ursula Meier (2012, 97', Suiza / Francia). Calificación: 7,50 puntos

De la directora de Home llega una película “dardenniana” acerca de un chico que roba esquíes, guantes, gorros y anteojos de un lujoso sky resort y lo revende a conocidos. Casi a cargo de su hermana mayor (Léa Seydoux), que no parece hacer mucho más que salir con tipos (no queda claro si se prostituye o no), el enérgico y muy pícaro niño se va enredando cada vez más en “el negocio” mientras la situación familiar se complica. Pequeña pero intensa, muy bien hecha y actuada, sólo peca por cierto psicologismo de salón a la hora de resolver la relación entre estos hermanos. La verdad de esa relación, de cualquier manera, es un elemento de intriga extra, y que deja un final más que abierto. Multipremiada en la reciente Berlinale. DIEGO LERER

 

SECCIÓN PANORAMA

-Boxeo Constitución, de Jakob Weingartner (2011, 80', Austria-Argentina). Calificación: 8 puntos

Ironías del destino y del BAFICI es que haya tenido que ser un austriaco esta vez el que retrate de muy buena manera a la Capital, sus límites y al conurbano bonaerense. Jakob Weingartner realizó un posgrado sobre Documentales en la FUC y, como parte de esa práctica, quiso buscar una historia sobre la gente de bajos recursos económicos que no se victimizara. Lo encontró, según comentó en las funciones –donde siempre debatió con el público– en el boxeo, un deporte donde se le debe “pelear” a la vida. El film se adentra en un gimnasio, tan decadente como profesional, del barrio de Constitución, justo debajo de la estación de trenes, donde se entrenan varios pugilistas, tanto los nÓveles como algunos que han triunfado en sus categorías. Al mismo tiempo, recorre la vida de esos protagonistas de carne y hueso: su lucha, su familia, sus orígenes, etc. No olvida mostrar el peligro que confiere esa actividad, en la experiencia de uno de ellos, que en un accidente durante una pelea tuvo un coágulo en el cerebro que casi lo mata. El documental llega a mostrar cómo él lucha, junto a una abogada, por los derechos de los boxeadores, por la posibilidad de acceder a una obra social, entre otras causas. Un mundo tan fascinante como injusto –en varias oportunidades, como cuando un campeón relata que solo ganó 2.000 pesos por la pelea en que triunfó–, tan lejano como cercano, lleno de anécdotas sobre los ascensos y caídas. NICOLÁS KUSMIN

 

-Sentados frente al fuego, de Alejandro Fernández Almendras (2011, Chile). Calificación: 7,50 puntos

Un retrato íntimo, sereno, contemplativo, de una pareja mayor que vive en un paraje alejado. La llegada de la enfermedad hace que la situación se torne más intensa y dramática desde lo narrativo, pero el director de Huacho jamás pierde de vista el tono y el tempo del relato, logrando que esa pareja, ese paisaje y esa situación funcionen armónicamente como un todo, no como un “disparador” impostado del drama. Muy buena película. DIEGO LERER 

 

-La demora, de Rodrigo Plá (2012, 84', Uruguay / México / Francia).
Calificación: 7 puntos

Una mujer cuida de su padre, senil, mientras lidia con sus tres hijos y el trabajo en una fábrica en Montevideo. El asunto se le transforma en insoportable y toma una decisión tremenda. Una película pequeña, bien actuada, que transmite las sensaciones de los personajes y del lugar en el que habitan. Del director de La zona y Desierto adentro. DIEGO LERER

 

-Accidentes gloriosos, de Mauro Andrizzi / Marcus Lindeen (2011, 58', Argentina / Suecia). Calificación: 7 puntos

Prolífico, creativo y audaz, Mauro Andrizzi ha logrado construirse con cuatro largometrajes en cuatro años un lugar no menor en el circuito de festivales. Más allá de su simpatía personal y de su capacidad para las "public relations", ha llamado la atención con una polémica propuesta como Iraqi Short Films (construido en base a material de propaganda de fundamentalistas islámicos) y En el futuro, que le permitió participar y luego ganar un premio en Venecia. Al Lido volvió apenas 12 meses después con Accidentes gloriosos, una película en la que redobla la apuesta ambiciosa y experimental de En el futuro. En este caso, son 9 extrañas historias diseminadas en poco más de una hora de metraje, acompañadas por una omnipresente y grandilocuente narración en off a cargo de Cristina Banegas.

Choques de autos (inevitable la referencia a Crash, de David Cronenberg/J.G. Ballard), clubes pornos, rutas nocturnas, parques de diversiones, quirófanos, cartas y dibujos son algunos de los elementos que Andrizzi (con la colaboración del dramaturgo danés Marcus Lindeen) mixtura en una película que bebe de muchas otras fuentes: la pintura, el teatro y, sobre todo, la literatura. Fantástica, onírica, surreal, Accidentes gloriosos se arriesga con efectos visuales bastante artesanales (no hay prurito aquí en caer en el artificio) para mostrar, por ejemplo, a un hombre volando sobre un zoológico. Más allá de cierta solemnidad, la película consigue por momentos climas visuales y dramáticos subyugantes. Si hay algo que queda claro es que Andrizzi tiene muchas ideas y un nulo prejuicio o miedo al ridículo. Es un artista que se juega, que arriesga y que, en muchos casos, termina ganando. DIEGO BATLLE

 

-Green, de Sophia Takal (2011, 73', Estados Unidos). Calificación: 7 puntos

Exponente, y no tanto, del universo “mumblecore”, la actriz y directora Takal (a quien puede verse también en The International Sign for Choking) narra la historia de una pareja urbana y “sofisticada” que se va a vivir al campo, a un pequeño pueblo cuya librería más cercana está a 45 minutos de distancia. Allí conocen a una mujer local (la propia Takal), muy diferente, que comienza a pasar tiempo con ellos, especialmente con ella. ¿Esconde algo detrás de esa bonhomía pueblerina? ¿Oculta algo o solo nuestra algo aburrida y obsesionada protagonista proyecta en ella cosas que no son ni están? Con mucho del diálogo rápido, casual y hasta monótono del “mumblecore”, pero en un ambiente diferente y con una trama que aporta suspenso psicológico (no del todo logrado: si bien la música aporta, las secuencias oníricas son un poco amateur), Takal quiere salir un poco del registro directo y simple de sus colegas y opta por meterse en una zona más “extrañada”. Por momentos lo logra. Por otros, bueno, no tanto… DIEGO LERER

 

-Alps, de Yorgos Lanthimos (2011, 93', Grecia). Calificación: 6 puntos

Chicas que sufren, chicas que buscan. Hospitales, gimnasia artística, música, sexo. Absurdo y artificio. Muchos elementos derivados del videoarte (muy en la línea de Attenberg). Esta propuesta de Lanthimos (Dogtooth) resultó lo más para la inteligentzia cinéfila en festivales y le reconozco méritos y audacia, pero tengo que admitirlo: no es my cup of tea. DIEGO BATLLE

N. de la R. Para DIEGO LERER esta película tiene una calificación de 8,50 puntos

 

-Michael, de Markus Schleinzer (2011, 96', Austria). Calificación: 6 puntos

En general, esta opera prima del austríaco Schleinzer (director de casting y asistente de su padrino, Michael Haneke) polarizó opiniones tras su presentación en la Competencio Oficial del último Festival de Cannes: algunos (los menos) la aclamaron y otros (la mayoría) la denostaron desde la indignación. Es entendible: su tema, las vivencias de un pederasta (que mantiene secuestrado a un niño en el sótano de su casa), resulta poco menos que intolerable. De todas formas, fiel al ascetismo, el rigor y esa apusta casi quirúrgica del nuevo cine austríaco, me resultó un film atendible, para nada despreciable como sí opinan casi todos mis colegas. DIEGO BATLLE

N. de la R. Para DIEGO LERER esta película tiene una calificación de 4 puntos

 

ADOLESCENCIAS

-L’estate di Giacomo, de Alessandro Comodin (2011, 78', Italia-Bélgica- Francia). Calificación: 8 puntos

Un chico, una chica, el verano, la bicicleta, el río, algo de música. Hay cosas que no cuento, pero con eso alcanza. Bellísima. Reseña desde Viena: “Se centra en un adolescente hipoacúsico, con dificultades para hablar y escuchar, y un verano que pasa en lo que parece ser el pueblo en el que vive. El film se centrará en la relación que tiene con una amiga y en las horas y días que pasan juntos: en el río, caminando, andando en bicicleta, tomando sol, hablando un poco, tocando la batería, escuchando música, y así. Hecha con mínimos recursos e igualmente minimalista en su búsqueda estética, la película sin embargo es un sensible encuentro con estos personajes y su relación en un verano que, de alguna manera, se presenta idílico, casi paradisíaco, como si la película fuera un álbum de fotografías (o un video) familiar de una temporada estival adolescente que se recuerda con cariño y cierta nostalgia". DIEGO LERER

 

ALBUM FAMILIAR

-17 filles, de Delphine Coulin y Muriel Coulin (2011, 90', Francia). Calificación: 7,50 puntos

Inspirado en un caso real que conmovió a la sociedad y la prensa de los Estados Unidos en 2008 (en este caso, la historia es trasladada a la zona costera de Lorient, en Francia), este primer film de las hermanas Coulin (directoras que provienen del documental y el cortometraje) expone con inteligencia (esto es, con sensibilidad, fluidez y a la vez con profundidad, sin caer en la bajada de línea, el psicologismo barato ni la "denuncia" horrorizada) la historia de las 17 chicas del título, de entre 14 y 16 años, y compañeras en el mismo colegio secundario, que toman la decisión de embarazarse juntas con la idea de compartir esa experiencia íntima y también como forma de rebelarse ante el contexto opresivo y desolador de esa comunidad.

El film -al que se le pueden hacer algunos pequeños reparos, como cierto esteticismo innecesario y algunos pasajes que resultan un poco banales o inocentes- es casi siempre inquietante, provocador, desafiante y nos cuestiona -desde un lugar con más preguntas que respuestas- respecto del siempre contradictorio e indescifrable universo adolescente. DIEGO BATLLE

 

-Eighty Letters, de Václav Kadrnka (2011, 75', República Checa). Calificación: 7,50 puntos

Llamativa esta película checa que cuenta un día en la vida de una madre que prepara papeles y documentos para emigrar de Checoslovaquia con su hijo a Gran Bretaña, donde los espera su padre. Mientras le escribe cartas, madre e hijo recorren un “kafkiano” (perdón por la obvia referencia, pero es así) universo de oficinas, sellos postales y extraños encuentros. Lo más curioso del film es su puesta en escena algo bressoniana (cortes abruptos a manos, pies, entrega de objetos, puertas, silencios prolongados) pero en el marco de una “dramaturgia” algo más standard que las del francés, especialmente en los rostros y diálogos no tan “afectados” o “robóticos” como los del francés. Esa puesta en escena, creo, es la que saca al film de un recorrido previsible. Vale la pena seguir cada plano en detalle, por más que por momentos se hagan algo evidentes y reiterativos. DIEGO LERER

 

-Nosilatiaj. La belleza, de Daniela Seggiaro (2012, 83', Argentina). Calificación: 7 puntos

Una historia mínima con unas resonancias que alcanzan a las más ancestrales y profundas tradiciones de los wichís. Una chica de 16 años de ese origen trabaja como criada en la casa de una familia chaqueña de clase media. Ese ámbito es un verdadero caos, sobre todo ante la inminencia de un cumpleaños de 15. Un hecho en apariencia insignificante (la protagonista es despojada de su larga cabellera, símbolo de belleza y de otros valores positivo para su cultura) cambia de manera profunda las relaciones y los estados de ánimo. El conflicto puede sonar algo naïf, pero Seggiaro -más allá de algunos subrayados y de ciertos desniveles actorales- maneja el relato con gran rigor, respeto y convicción. Estrenada en el reciente Festival de Berlín. DIEGO BATLLE

 

-Everybody in Our Family, de Radu Jude (2012, 107', Rumania / Holanda). Calificación: 7 puntos

Jude aborda uno de los temas habituales del nuevo cine rumano: las relaciones familiares, narradas con inteligencia y una tensión creciente. El film está estructurado con un prólogo que presenta al protagonista en muy pocos trazos, un primer acto que anticipa el segundo, y un epílogo. Un padre divorciado va en busca de su hija de 5 años para pasar con ella su único fin de semana mensual, y encuentra resistencias en casa de su mujer. La situación deriva hacia la violencia, hasta que se traspasan todos los límites de la convivencia. Como en su opera prima, La chica más feliz del mundo, la acción transcurre en muy pocas horas y locaciones, con una cámara en mano agitada y la creciente sensación de claustrofobia en el estrecho departamento, donde se ejercen distintos tipos de violencia doméstica. Como es frecuente en el cine rumano, los actores son excelentes, y la chiquita es excepcional. Intensa, brutal, se establecen en la película juegos de poder y humillación por ambos bandos. El cine rumano no era una moda. JOSEFINA SARTORA

 

-L’Âge atomique, de Héléna Klotz (2011, 67', Francia). Calificación: 7 puntos

Es la clase de película que te fastidia porque arranca tan bien, tan justa y lograda en su retrato de dos amigos que viajan al centro de Paris a ir a bailar, lo que empieza sucediendo allí, que luego te apena cuando a mitad de su metraje dispara para un lugar imprevisible y, a la vez, no tan interesante como el anterior. La hija de Nicholas Klotz es una cineasta con gran talento y captura a la perfección lo que sucede en esa larga noche de tensión sexual entre dos amigos y la posibilidad de la aventura y el riesgo nocturno. No me convence el vuelco narrativo de su segunda mitad y, siendo honesto, cierta pedantería y snobismo de uno de los personajes (que cita poesía todo el tiempo) se hace un poco agotadora, por más comprensible que sea dentro de la lógica “impresionista” del film (de hecho, Klotz padre tiende a hacer lo mismo). Pero aquí, al combinarse con un retrato más naturalista, suena forzada. Vale la pena, igual, y los climas musicales son extraordinarios. DIEGO LERER

 

-Best Intentions, de Adrian Sitaru (2011, 105', Rumania). Calificación: 6 puntos

La situación y la temática se presentan listas para el “neoclasicismo rumano”: una serie de días y planos fijos para contar lo que le pasa a un hijo cuando su madre tiene un ataque y es internada. Sitaru recurre a un naturalismo casi de documental para retratar las conversaciones, las situaciones que se presentan y no hay duda que el film se siente honesto y verdadero. Pero dos cosas me irritaron: la innecesaria cámara subjetiva que tiene a lo largo de casi toda la película y que circula por distintos personajes como si se sorteara a quien le toca llevarla (un tic que llama la atención y distrae) y la excesiva y casi paródica neurosis del protagonista, que quiere ayudar a la madre pero no sólo se le vuelve insoportable a ella: a nosotros también. Dan ganas de cerrarle una puerta en la cara y hacerlo callar de una puta vez… DIEGO LERER

 

CINE + CINE

-Sin título (Carta para Serra), de Lisandro Alonso (2011, 23', España / Argentina). Calificación: 9 puntos

23 nuevos minutos de cine de Lisandro Alonso es una de las mejores ofertas que tiene este 14° BAFICI. Dividido en tres partes, siempre en el mismo campo arbolado, el corto sigue primero a lo que suponemos es un cazador, luego a un hombre (el ya mítico Misael Saavedra, de La libertad) buscando a un perro que no encuentra y cierra con Fabián Casas leyendo un texto que podría o no conectar las partes anteriores. Con una cámara más movil (steadycam) que en sus films anteriores, Alonso sigue logrando subyugar por la manera en la que conquista y somete al espacio físico a la tridimensionalidad de su mirada. Sólo ver la cámara moviéndose entre los árboles hace recordar tanto a La libertad como al cine de Apichatpong Weerasethakul. Sucede algo mágico ahí, algo que te transporta, y no sé si soy capaz de explicarlo. Creo que él tampoco. DIEGO LERER

 

-Cinema Komunisto, de Mila Turajlic (2010, 101', Serbia). Calificación: 8,50 puntos

El general Tito y sus pasiones cinéfilo-propagandísticas son la perfecta excusa para hablar de un país “que sólo existe en las películas”, tal cual indica la narración. Ese país es Yugoslavia y el centro de esa pasión cinéfila en la que se concentra la película es la narración amable y sorprendente sobre una suerte de Hollywood de los Balcanes a no tan pequeña escala, el cine de estudios durante los años 50 y 60 en aquel país. Pero Cinema Komunisto también habla sobre la necesidad del cine como arma de propaganda. Sobre ese entramado y sus insólitas derivaciones (Welles, quien filmara coproducciones realizadas en Yugoslavia afirmando que “Tito es uno de los grandes líderes del mundo”, Richard Burton y Yul Brinner actuando en épicas nacionalistas y otros ases bajo la manga) la película cae en ese embrujo de fascinante fascismo y no oculta su admirada y nostálgica visión de un pasado que no existe. Sin grandes logros formales, pero concentrada en una historia poco conocida, Cinema Komunisto es uno de esos exponentes escondidos, de nobleza y bajo perfil que siempre entrega el BAFICI. FEDERICO KARSTULOVICH

 

TRANCES

-Cocaine Cowboys, de Billy Corben (2006, 118', Estados Unidos). Calificación: 8,50 puntos

El título del documental toma la forma en que la prensa y los habitantes de Miami, que hasta el momento había sido un abúlico resort para ancianitos, empezaron a llamar a los narcotraficantes cuando a principios de los ochenta su actividad se hizo visible por la cantidad de cadáveres que aparecían ametrallados en la ciudad. Sin embargo Cocaine Cowboys, que cuenta el ascenso y caída de estos tipos con suerte y no demasiadas luces desde los testimonios de los -más bien pocos- sobrevivientes, no es del todo “la contracara realista y tremenda” de Scarface porque como la película de Brian De Palma, también está llena de humor (uno muy particular, en este caso inconciente y fascinado con las posibilidades del poder y el dinero) y de una bienvenida ambigüedad que nunca se decide entre marcar lo sangriento del asunto o asumir que a pesar de todo, Miami fue una fiesta. MARINA YUSZCZUK

 

-The Substance, de Martín Witz (2011, 89', Suiza / Alemania).
Calificación: 7 puntos

Informativo documental sobre la historia del ácido lisérgico, desde su “casual” creación hasta la actualidad, con gran material de archivo sobre los experimentos que se hacían en los años ’40 y ’50 (en psiquiatría, sí, pero también en ejercicios militares), antes que el LSD se hiciera famoso como la droga psicodélica por excelencia del hippismo y la contracultura de los años ’60. Luego, claro, la historia más conocida de los Merry Pranksters, Timothy Leary, el Verano del Amor y la posterior prohibición. Más allá de sus aspectos terapéuticos, se habla poco de la evolución de la droga y de su consumo en los últimos 35 años. Hoffman -que culpa a Leary de haber arruinado las posibilidades médicas del ácido lisérgico- llegó a vivir 100 años ¡Salud! DIEGO LERER

 

LA LEY DEL DESEO

-Whores’ Glory, de Michael Glawogger (2011, 119', Alemania / Austria).
Calificación: 9 puntos

Notable documental que ganó en la sección Orizzonti de Venecia y que podría verse como la contratara de L´Apollonide. Glawogger realiza un largo registro de las prostitutas en tres ciudades de Indonesia, Bangladesh y México, que constituyen tres círculos cerrados. Las mujeres trabajan en distintas condiciones: en Bangkok están expuestas en una vidriera, para discusión y selección de los clientes, donde el trato es más distante y comercial, como verdadera mercadería; en La Ciudad de la Alegría de Faridpur las prostitutas reciben a los hombres en habitaciones de viviendas colectivas, donde llegan niñas para ser vendidas y aprender el oficio, de jóvenes madamas; y en La Zona de Reinosa -en la tabla más dura del tríptico- trabajan en cuartos numerados donde sexo, dinero, religión y superstición están unidos inextricablemente.

Presentados como mundos cerrados, esos espacios parecen no tener salida. Si bien se coincide en creer que es una necesidad social, el film deja de lado conceptos preestablecidos sobre la prostitución, sin un gesto de juicio sobre esas mujeres que no están presentadas como víctimas -tampoco los hombres son aquí los victimarios- sino como trabajadoras. JOSEFINA SARTORA

N. de la R. Para DIEGO LERER esta película tiene una calificación de 7,50 puntos

 

-The Slut, de Hagar Ben Asher (2011, 88', Israel). Calificación: 7,50 puntos

Es la tercera película que ya veo sobre mujeres con una intensa vida sexual en el festival (Clip y Hemel son las otras) y la primera que no intenta explicar los motivos “psicológicos” de sus actos. Eso ya es algo. Es la historia de una mujer que tiene dos hijas (se desconoce quien o quienes son sus padres) y vive en una casa en un pequeño y bastante desolado pueblo. Allí es como la “mujer fácil” de la zona y se la ve teniendo relaciones con muchos hombres que pasan a visitarla. Hasta que aparece uno, con el que parece que las cosas van más en serio. Aunque la tentación es difícil de vencerla. Austera, seca, algo mecánica tal vez, con una algo sorpresiva vuelta final, tiene la curiosidad de que la protagonista es la propia directora. Como leí por ahí, debe ser la primera que se filma a sí misma teniendo relaciones sexuales bastante explícitas. DIEGO LERER

 

-Un amour de jeunesse, de Mia Hansen-Løve, 2011, 110', Francia / Alemania. Calificación: 7,50 puntos

Confieso que soy bastante fan del cine de esta ex crítica de Cahiers du Cinéma y, aunque me parece que este film se ubica por debajo de Todo se perdona y El padre de mis hijos, igual me parece una obra exquisita, bella, melancólica, romántica, desoladora. Una joven (Lola Créton) convive con su ex profesor de arquitectura ((Magne-Håvard Brekke), un danés maduro para el que además trabaja, pero sigue prendada de, obsesionada por su primer novio (Sebastian Urzendowsky), un muchacho inestable e inconstante que la abandonó para hacer un largo viaje por Sudamérica. Cuando vuelve y se reencuentran casualmente, su mundo aparentemente sólido y seguro empieza a tambalearse. DIEGO BATLLE

N. de la R. Para DIEGO LERER esta película tiene una calificación de 6 puntos

 

LA TIERRA TIEMBLA

-Sibila, de Teresa Arredondo (2012, 94', Chile-España). Calificación: 9 puntos

Ir al encuentro de una vieja tía militante de Sendero Luminoso no es cosa fácil. Esto es lo que descubrió  la sobrina y directora del film al presentarnos el recorrido histórico sobre la vida de Sibila luego del suicidio de su esposo, el escritor peruano José María Arguedas. El film es, en apariencia, una búsqueda personal pero -en realidad-  se trata del esfuerzo por hacer inteligible la fuerza militante del mundo moderno de los años ‘70 con la necesidad explicativa de la posmodernidad (J. F. Lyotard) o modernidad líquida (S. Bauman), dependiendo de la mirada teórica que se prefiera. Lo cierto es que buena parte del relato avanza en las razones, casi inexplicables, de los familiares de la joven Teresa para invisibilizar  el recorrido trágico de su tía Sibila durante la experiencia con Sendero Luminoso y los 15 años de cárcel posteriores.

Aparecen, así, el candor infantil de Teresa, los cuestionamientos de sus padres a Sibila, la defensa incondicional de la abuela de Teresa a Sibila, el amor y el reclamo de los hijos de Sibila por los años familiares perdidos por su estadía en la cárcel, etc. Hay también muchas preguntas sin respuestas o con respuestas insuficientes: ¿Por qué ocultaban a la tía? ¿Por qué no se hablaba de ella en los encuentros familiares?  Hay miles de palabras que no se dicen y quedan flotando en el ambiente fílmico y uno puede intuir las respuestas adecuadas sin que nadie las diga.

En el final,  aparece Sibila tal y como la entrevistó esta sobrina que aún la ama y la adora como cuando era una niña. Sin embargo, Sibila no vé esto con claridad. Ella sólo ve el reclamo no manifiesto sobre su conducta, vé a una enviada del mundo capitalista donde ha triunfado la derecha  internacional  que reclama por su arrepentimiento, ese mismo que no le sacaron con la tortura ni con la cárcel. Esta juventud de Teresa que busca comprender los motivos  de su tía para ser parte de la lucha armada,  es vista por Sibila como otro síntoma más por el cual ella debiera continuar la lucha, pero ahora está  más vieja, cansada y sola en su retiro en Francia. Aquí hay una certeza final: por este camino no se llega a la revolución. Ganadora de la Competencia de Derechos Humanos. CRISTINA BARILE

 

-Il sorriso del capo, de Marco Bechis (2011, 74', Italia). Calificación: 7 puntos

Con la enorme Autobiografía de Nicolau Ceaucescu, parece haberse instalado el subgénero de documental montado exclusivamente con materiales de archivo, películas que revisan una época histórica desde la mirada de sus contemporáneos. Así, Marco Bechis armó el suyo con registros del noticiero del Instituto Luce sobre la figura pública de Benito Mussolini y el triunfo del fascismo en Italia. El discurso del Duce está alternado con logros del país en esos momentos, y propaganda del régimen. Frente a la pomposa gestualidad del Duce ante las masas, son interesantes las reflexiones del narrador, padre del director: “ahora Mussolini nos parece Chaplin, pero entonces, no me pregunten por qué, él me convenció”. JOSEFINA SARTORA

 

MÚSICA

-Inni, de Vincent Morisset (2011, 75', Islandia / Reino Unido / Canadá). Calificación: 7 puntos

Pequeño documental sobre un show en el Alexandra Palace, 2008, de la banda islandesa Sigur Ros. En blanco y negro, con baja resolución de imagen pero excelente sonido, la película es muy diferente a Heimat. En vez de mostrar a la  banda en relación a Islandia y la naturaleza, lo hace en función de la relación de su música con la psicodelia del primer Pink Floyd. Hay un efecto similar al de esas películas de Peter Whitehead de los años ’60, aunque se queda corto en ambición, ya que nunca sale de al lado del show. Lo que me jugó en contra fue darme cuenta de que ahora el grupo no me interesa tanto como cuando la descubrí, unos 8/9 años atrás… DIEGO LERER

 

-Grandma Lo-fi, de Kristín Björk Kristjánsdóttir, Orri Jónsson e Ingibjörg Birgisdóttir (2011, 62', Islandia-Dinamarca). Calificación: 7 puntos

Una mujer, a los 70 años, empieza a editar casetes con la música que compone y graba con su tecladita, una máquina de ritmos y haciendo copias de la forma más artesanal y sí, “lo fi” posible. Con un sonido entre simpático e irritante, las cancioncitas de Sigridur la ponen como una pariente lejana de Daniel Johnston o nuestro Willy Polvorón (aunque con menor talento, me da la impresión y sin aparentes dificultades psicológicas). La mujer editó 59 CDs entre los 70 y los 80, y la celebran -no sé si en serio o irónicamente- músicos islandeses como Bjork, Mugison y miembros de Sigur Ros y Mum, entre otros. Simpática, rara, como un cuento bizarro que no podía salir de ningún otro país que de Islandia. DIEGO LERER

 

-Neil Young Journeys, de Jonathan Demme. (EE.UU. 2011, 87´). Calificación: 6 puntos

El músico canadiense Neil Young es retratado por el director Jonathan Demme (el mismo de Filadelfia y El silencio de los inocentes) recorriendo la pequeña comunidad donde se crió mientras se prepara para un nuevo concierto. El film va de mayor a menor, ya que lo que comienza como una cálida semblanza con algunos toques musicales termina convirtiéndose sólo en una muestra de varios –quizás demasiados– números de su show unipersonal; a su vez, salvo pocas excepciones, los temas son los menos conocidos del cantante. Sin embargo, la calidad del HD y el sonido, sumado a una cámara en el mismo soporte del micrófono (que capta las expresiones en primerísimo primer plano) ayudan a hacer esta película más amena. NICOLAS KUSMIN

 

ODISEAS DEL ESPACIO - CINE Y ARQUITECTURA

-Hu, de Pedro Urano y Joana Traub Csekö (2011, 78', Brasil). Calificación: 7 puntos

Un tremendo, elefantiásico, desmesurado edificio -o serie de edificios- es el Hospital Universitario de Río de Janeiro. Proyectado y construido en la dictadura de Getulio Vargas permanece funcional, apenas, en una parte, y destruido, sin terminar, juntando basura y escombros hace décadas en otro. El filme recorre el lugar, ve a los médicos y funcionarios trabajar, conversa con ellos sobre las dificultades y problemas que tiene el edificio y nos muestra el estado de abandono de una parte del mismo. Hasta que… bueno, no les cuento lo que pasa, pero vale la pena verlo. DIEGO LERER

 

CINE PLANETARIO

-Flaming Creatures, de Jack Smith (1963, 43', Estados Unidos). Calificación: 5 puntos

A veces las mismas críticas de determinadas películas pueden ser muchísimo más interesantes que las películas en si. Contra la opinión de varios que consideran que Flaming Creatures es una obra maestra absoluta, creo que se cumple la premisa que inicia esta reseña: leer la crítica de J. Hoberman, que es uno de sus famosos exégetas junto a Susan Sontag, es radicalmente más interesante que confrontar con la realidad. La película de Smith es TNT puro, si, anticipa a John Waters y en buena medida inventa el cine underground, si, inventa radicalmente categorías que la historia de la cultura deberá aprender (lo camp, lo campy), inventa muchas cosas… o quizás no inventa nada, pero rompe tantos esquemas a la vez que el aparato crítico que la rodeó con el correr de los años la aceró, la hizo de teflón, indestructible, un Citizen Kane de la contracultura y creó el lenguaje apropiado para leerla y amarla. En la película de Smith la profusión de penes, tetas, culos, sodomías varias, cuerpos imperfectos, terremotos, vestidos ajustados, su voluntad infinita de provocación (hoy es un artefacto simpático de consumo para la colección Criterion, ayer era dinamita, pero bueno…) no funcionan de la misma forma, con la misma explosividad que presuponemos en la época de su estreno. Por eso es difícil pensarla HOY realizando un ejercicio de distanciamiento e ironía, que son los sentimientos que emanan de la película. Hoy, Flaming Creatures envejeció saludablemente. Quizás debería haber muerto joven y dejar un cadáver impactante cada vez que quisiéramos visitarla. FEDERICO KARSTULOVICH

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