Balance 2023: Los diez mejores libros de cine del año

Por Diego Batlle
Con las publicaciones de Mumblecore: Exploraciones sobre el cine independiente norteamericano y Es solo una película: El cine según Martín Rejtman se completó un muy buen año para las ediciones cinéfilas locales.

Mumblecore: Exploraciones sobre el cine independiente norteamericano, de Alvaro Bretal, Milagros Porta e Iván Zgaib, editores (Taipei Libros). Textos a cargo de los tres editores, Agustín Berti, Martín Emilio Campos, Filipe Furtado, Rafael Guilhem, J. Hoberman, Marcos Adrián Pérez Llahí, María San Filippo, Amy Taubin, Alicia Van Couvering y Brett Wright. Por el rigor de su edición, por la amplitud, variedad y diversidad de los enfoques, por la extensión (355 páginas), por los valiosos aportes tanto de jóvenes como de veteranos críticos nacionales y extranjeros, y porque muy poco se había escrito hasta ahora en el mundo sobre el movimiento (aunque muchos renieguen del término) mumblecore, este libro publicado por Taipei es uno de los grandes acontecimientos editoriales del año. Didáctico sin ser banal, preciso sin caer en lo académico, tan celebratorio por momentos como cuestionador en otros, Mumblecore... no solo disecciona el fenómeno que se desató sobre todo a partir del Festival SXSW de 2005 y la explosión del cine de Andrew Bujalski, Joe Swanberg, los hermanos Jay y Mark Duplass, Aaron Katz, Lynn Shelton, Ronald y Mary Bronstein, Frank V. Ross y los hermanos Josh y Bennie Safdie, entre otros, sino que también traza relaciones con la tradición del cine independiente de los Estados Unidos con John Cassavetes a la cabeza y hasta con el Nuevo Cine Argentino, entre otros. El resultado es un libro muy cuidado y bien "curado", ya que no resulta una acumulación caprichosa de textos sino un conjunto de ensayos (y entrevistas) que "dialogan", debaten y se complementan y potencian entre sí. Una edición insoslayable para cinéfilos interesados en los fenómenos que se desarrollan por fuera del mainstream, que pueden tener una incidencia en principio limitada, pero cuyos efectos siguen vivos en las obras de los artistas que formaron parte de su nacimiento y su breve esplendor.

Es solo una película: El cine según Martín Rejtman, de Pablo Chernov y Fernando Krapp (La Crujía). El libro está dividido en varias partes, pero en su corazón tiene al propio director de Silvia Prieto, Los guantes mágicos, Dos disparos y la flamante La práctica analizando cada uno de sus trabajos con anécdotas imperdibles. La publicación se completa con testimonios de intérpretes, productores y técnicos que colaboraron con él (Rosario Bléfari, Valeria Bertuccelli, José Luis Garcia, Lucio Bonelli, Paula Grandío, Hernán Musaluppi, Rosa Martínez Rivero y Violeta Bava), un “diario apócrifo” de su ópera prima Rapado (comentado luego por el propio Rejtman), un prólogo de Sergio Wolf, la contratapa a cargo de Alan Pauls y una selección de fotos en muchos casos inéditas. Lejos del libro de crítica o académico, la apuesta pasa por indagar en los modos de producción de Rejtman, que en un principio fueron muy artesanales y luego adquirieron una forma más industrial. El resultado es en muchos pasajes fascinante y apasionante.

Caligrafía de la imagen: de la política de los autores al cine de autor, de David Oubiña (Prometeo Libros). Doctor en Literatura, investigador del CONICET, docente en Filosofía y Letras de la UBA y en la Universidad del Cine (FUC), Oubiña es uno de los teóricos más importantes de nuestro país con libros sobre Jean-Luc Godard, Lucrecia Martel, Hugo Santiago y múltiples temáticas ligadas a la creación audiovisual. Su nuevo aporte es un exhaustivo, riguroso, exigente y apasionante trabajo de casi 600 páginas en el que reflexiona sobre la figura y el lugar del director/autor en el cine, una categoría que fue esencial para los distintos análisis durante las décadas de 1950 y 1970, pero que -con sus necesarias mutaciones y actualizaciones sobre todo en el marco de la producción más industrial- sigue siendo muy pertinente para pensar el cine y sus formas.

Motorhome, de Diego Dubcovsky (Vinilo Editora). Reconocido productor de películas de cineastas como Daniel Burman, Anahí Berneri y Clarisa Navas, Dubcovsky debutó en la creación literaria con un pequeño pero muy interesante y por momentos provocador texto en el que combina anéctodas y experiencias personales de su amplia trayectoria con reflexiones respecto de uno de los oficios más esenciales y al mismo tiempo con peor prensa dentro del universo audiovisual como el de, precisamente, la producción de films. Divertido, visceral e impiadoso (con los demás pero también consigo mismo), Dubcovsky resulta toda una revelación.

La casa de los anfibios: conversaciones sobre cine, de Maui Alena (EQZE). Durante su estancia en la prestigiosa Elías Querejeta Zine Eskola (EQZE), con sede en San Sebastán, España, y distintos viajes por Europa, Alena pudo entrevistar a una quincena de figuras esenciales del cine contemporáneo como los programadores Carlo Chatrian (director artístico del Festival de Berlín), Manuel Asín, José Angel Herrero-Velarde y María Palacios Cruz, críticos como el australiano Adrian Martin, teóricos como el español Santos Zunzunegui, archivistas como el estadounidense Rick Prelinger y la británica Charlotte Procter; y cineastas como el japonés Takashi Makino, el francés Jean-Claude Rousseau, el español Gabriel Azorín o los argentinos Mariano Llinás y Matías Piñeiro. El resultado es una auténtica radiografía, una cartografía del “otro” cine, de las vertientes más radicales, experimentales, autorales de la actualidad, una conjunción de reflexiones sobre cómo hacer, pensar, mostrar y preservar el cine.

Meditaciones de cine (Cinema Speculation), de Quentin Tarantino (Reservoir Books). Tarantino no necesita demasiada presentación porque sus películas ya son en varios casos clásicos (empezano por “Perros de la calle” y “Tiempos violentos”) y porque él mismo es una suerte rockstar amado por multitudes. Quentin es también un apasionado cinéfilo (algo que se aprecia en las múltiples referencias que hay en sus largometrajes, pero también en el hecho de que es dueño del New Beverly Cinema de Los Angeles, que sigue proyectando en fílmico) y, ahora, condensó varias de sus obsesiones, amores y experiencias autobiográficas en este libro que recorre títulos que para él fueron clave en la década de 1970 como “Taxi Driver”, de “Martin Scorsese”; “La violencia está en nosotros (Deliverance)”, de John Boorman; “Bullitt”, de Peter Yates; “Harry el sucio” y “Fuga de Alcatraz”, ambas de Don Siegel; “Hardcore”, de Paul Schrader; “Hermanas diabólicas”, de Brian De Palma; “Daisy Miller”, de Peter Bogdanovich y “La fuga (The Getaway)”, de Sam Peckinpah.

Los cines por venir, de Jerónimo Atehortúa (La Marca Editora). Otro libro de entrevistas. Atehortúa entabló conversaciones con 14 directoras y directores contemporáneos (Lucrecia Martel, Albert Serra, Rita Azevedo Gomes, Mariano Llinás, Víctor Gaviria, Albertina Carri, Alice Rohrwacher, Víctor Erice, Apichatpong Weerasethakul, Carlos Reygadas, Kelly Reichardt, Lav Diaz, Pedro Costa y Radu Jude) y le sumó un estudio sobre Béla Tarr, con quien el autor estudió en la Sarajevo Film Academy. "El futuro del cine no está asegurado. La muerte del cine se ha declarado más de una vez y no han sido pocos los que han atentado contra su vida. El cine es quizá el arte más acostumbrado a fantasear con su propio fin; en este arraigado sentido apocalíptico es plenamente un arte de nuestro tiempo”, escribe este autor colombiano formado en la Universidad del Cine de Buenos Aires.

Del cine instantáneo al cine en vivo, de Gustavo Postiglione (Ciudad Gótica Editorial). El prolífico y multifacético artista rosarino (su eje es el cine pero incursiona también con asiduidad en el teatro, el rock, la música experimental y la docencia) escribió este libro que es al mismo tiempo un diario de rodaje de la película “Simulacro” y una reflexión personal sobre lo que es el cine hoy, con todas sus contradicciones, visicitudes y una crisis permantente que desde el oficio más genuino él y tantos otros colegas siguen combatiendo con testarudez, talento y tesón.

Cassavetes dirige (en el rodaje de Love Streams), de Michael Ventura (Entropía). El particular y luego muy imitado método de trabajo de John Cassavetes (fallecido en 1989, en Los Angeles, con apenas 59 años) ha sido analizado en decenas de publicaciones y hasta en papers académicos, pero nadie lo registró de primera mano y en toda su intensidad, matices y detalles como el ensayista, crítico, guionista y novelista Michael Ventura en “Cassavetes Directs”, libro publicado originalmente en 2007 y que ahora tiene su merecida edición local.

El espectador inquieto (cine, filosofía y emancipación perceptiva), de Jada Sirkin (Reticular). Los diez artículos que componen este libro son el resultado de una larga investigación en la que el autor pone a dialogar cine y filosofía. La observación de películas y series (desde “Jurassic Park” hasta “El viento nos llevará”, del iraní Abbas Kiarostami, pasando por el cine Ruben Östlund y Lucrecia Martel, o éxitos de la pantalla chica como “Succession”, “The Crown” o incluso “Los Simpson”), a partir de los encuadres teóricos propuestos por grandes pensadores en este terreno (Barthes, Morin, Daney, Sontag, Gilberto Pérez), sirve para estudiar fenómenos psicológicos y vinculares. Una de las hipótesis fundamentales de la propuesta es que las películas son expresión de las formas en que pensamos y vivimos. Así, analizar el cine es estudiar los modos en que miramos.

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