Críticas de la competencia Vanguardia y Género

Aunque muchas veces tapada por la Competencia Internacional y la Argentina, esta selección de cortos, medios y largometrajes más vanguardistas/radicales siempre regala unas cuantas sorpresas.

Publicado el 9/4/2015 - 14:00:23 (Actualizado al 14/4)

-The Iron Ministry (China-Estados Unidos, 82'), de J.P. Sniadecki. ★★★★✩

El realizador de Demolition, Foreign Parts, People's Park y Yumen filmó durante tres años dentro de distintos trenes de China (aunque en el armado final parece que fuera sólo uno) y, más allá de los hallazgos visuales (que los hay) y de las metáforas del movimiento, lo que consiguió -sobre todo en la segunda mitad del documental- es un retrato social sobre los profundos cambios que se están manifestando en ese país, a partir de las crecientes diferencias sociales. Con testimonios de primera mano, consigue describir las sensaciones, las contradicciones y las frustraciones de aquellos que viajan en los atestados y sucios vagones (hay otros, claro, que lo hacen en condiciones mucho mejores). Menos experimental, pero más político que en trabajos previos, Sniadecki sigue desarrollando una filmografía asombrosa. Un norteamericano suelto en China... DIEGO BATLLE



-Victoria (Alemania, 140’), de Sebastian Schipper ★★★★✩

La crítica completa de Diego Lerer en Micropsia



-Queen of Earth (Estados Unidos, 90’), de Alex Ross Perry ★★★★✩

La crítica completa de Diego Lerer en Micropsia



-A Girl Walks Home Alone at Night (Estados Unidos, 100’), de Ana Lily Amirpour ★★★½

Producida por Elijah Wood, hablada en persa y dirigida por una inglesa, formada en Estados Unidos, esta película rodada en blanco y negro combina elementos del western y del subgénero vampírico con una heroína treintañera (con velo en la cabeza, claro) como protagonista. No hay tanto terror sangriento, pero sí alguna explosión gore (¡ese dedo!), sexo oral y una estilización que remite al Jarmusch de Only Lovers Left Alive, al Coppola de La ley de la calle; a la saga Sin City y, por qué no, a de Tamae Garateguy de Mujer lobo. Traficantes, prostitutas, jóvenes rebeldes y una conflictiva relación padre-hijo para una película ambientada en una zona petrolera ficcional (transcurre en Bad City) con una apuesta llena de anacronismos, de caprichos, pero también de sensualidad y libertad creativa. DIEGO BATLLE




-Near Death Experience (Francia, 90’), de Benoît Delépine y Gustave Kervern (Orizzonti) ★★★½

Otro hombre maduro en crisis, insatisfecho con su vida, buscando la muerte. En este caso, el escritor Michel Houellebecq pasa a la pantalla como protagonista de este film filosófico, con un largo monólogo en off del personaje que se siente “obsoleto” y decide que ha llegado al final de la ruta. El guión de los inefables Delépine y Kervern se aparta del tono delirante que han sabido elaborar, aunque el humor (negro) no está del todo ausente del drama: “un padre muerto es mejor que un padre sin vida”, es el mensaje que deja para sus hijos. Minimalista, con imagen digital algo desenfocada, la cámara recorta todo lo que no es el personaje en su deambular por las montañas en busca de la muerte. Film melancólico y desesperanzado, en el que cada línea está cargada de denso significado. JOSEFINA SARTORA



-Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air (Reino Unido / Bélgica / Estados Unidos, 71’), de Phillip Warnell ★★★✩✩

Una auténtica rara avis sobre la historia real de un tigre y un cocodrilo que vivían en un departamento de Harlem. Ese hecho sacado a la luz sirve de disparador para una reflexión sobre la animalidad, con las declaraciones de su dueño, la filosofía de Jacques Derrida y una gran cuota de lirismo. Con imágenes probablemente tomadas con posterioridad, en un departamento recreado, vemos la insólita vida de esos animales, mientras se declaman ideas sobre lo animal y la relación de los mismos con los humanos. Film-ensayo, documental filosófico que, a pesar de por momentos encontrarlo carente de interés, tiene su valor por la propuesta que entraña. JOSEFINA SARTORA



-Crumbs (Etiopía / España / Finlandia, 69’), de Miguel Llansó. 

Si vieron en BAFICI el corto Chigger Ale seguramente no podrán olvidarlo. En este, su primer largometraje, el realizador español radicado en Etiopía se expande sobre ese juego de absurdos al pintar una sociedad post-apocalíptica en la que los habitantes conviven con mitos inventados a partir de objetos que quedaron del pasado, como un poster de Michael Jordan, una espada fabricada en Carrefour, una película de Superman o un disco de Michael Jackson. Describir lo que sucede aquí es complicado, solo se puede decir que narra las desventuras de nuestro protagonista enano y los otros sobrevivientes en la búsqueda de naves espaciales, viajes intergalácticos, recuperar un amor perdido, negociar la venta de objetos del pasado, entender los misterios de las bolas de bowling o toparse con el mismísimo Papa Noel en versión africana. La película nunca logra del todo ser más que la suma de sus partes absurdas y del choque que se da entre los escenarios desolados de una Africa abandonada y ciertos objetos de la cultura occidental, pero por momentos se acerca a una cierta idea poesía y melancolía que supera el chiste y el juego de referencias para proponer algo que coquetea con lo trascendente. DIEGO LERER



-Amor eterno (España, 69’), de Marçal Forés. 

No me gustó nada su anterior película que pasó por BAFICI, Animals, pero este breve y contundente film tiene muchos más elementos atractivos, si bien elige apostar por la crueldad y la truculencia allí donde no es necesario, en una suerte de mezcla entre El desconocido del lago y película de vampiros (o La naranja mecánica) en la que un grupo de jóvenes se dedica a hacer de las suyas con muchas personas (en su mayoría, homosexuales) que van a tener sexo a una zona boscosa y oculta en las afueras de la ciudad. El eje está puesto en la historia de atracción sexual entre un profesor y su alumno adolescente, que pasa del sexo casual a la obsesión del maestro por el joven, sin saber que el muchacho pertenece a esta banda que se aprovechará del deseo del hombre mayor para inquietarlo cada vez más. Con momentos de fuerte tensión (por momentos exacerbada innecesariamente hacia las zonas del torture porn), Forés consigue hacer una suerte de retrato del deseo y la pulsión sexual y/o amorosa que se escapa de todas las normas. DIEGO LERER



-Equí y n'otru tiempo (España, 71'), de  Ramón Lluís Bande. Bande narra los asesinatos de cientos de maquis (guerrilleros antifascistas) asturianos durante la Guerra Civil española, haciendo eje entre fines de los años ’30 y principios de los ’50. La película tiene una apertura en la cual un sobreviviente de un fusilamiento narra los hechos mientras vemos fotografías de la época para luego centrarse en una radical puesta en escena de esas historias: un texto en negro cuenta quiénes, dónde y cuándo murieron y luego se muestra un plano fijo de esos mismos lugares en la actualidad. En su mayoría son montes y parajes alejados en los que esta resistencia antifascista fue masacrada, pero también los lugares incluyen zonas urbanas, ahora muy modificadas respecto a la época en la que los acontecimientos sucedieron. Con algunos puntos de contacto con las películas del argentino Jonathan Perel, el film de Bande muestra el territorio como testigo silencioso de las más cruentas historias de nuestros países. DIEGO LERER



-The Royal Road (Estados Unidos, 65’), de Jenni Olson.

Esta película ensayo de Olson intenta conectar historia personal, historia política y cinefilia a lo largo de una road movie que recorre El Camino Real, mítica ruta que unía a las misiones católicas de la Baja y la Alta California entre 1683 y 1834, cuando esa zona era parte de México. La directora filma lugares a lo largo de esa ruta, en especial entre Los Angeles y San Francisco, hablando mediante el uso de la voz en off tanto de la historia de la ruta y la guerra olvidada entre Estados Unidos y México para trazar algunos paralelos un tanto forzados pero efectivos con su vida personal, la de una mujer lesbiana en California fascinada por una mujer casada con la que imagina un futuro en apariencia imposible. En el medio de todo esto, el cine (y en especial Vértigo, con su temática sobre el deseo y la memoria, y sus famosas escenas en una misión religiosa por las que pasa el camino en cuestión) hace su aparición para crear una suerte de retrato nostálgico y diario personal que reflexiona sobre la historia, la melancolía, el cine, el deseo y cómo el pasado forja nuestro presente aunque pretendamos mirar para otro lado. DIEGO LERER


Reseñas de cortos y mediometrajes:

-Muerte blanca (Chile, 17’), de Roberto Collío. En 2005, 44 conscriptos y un sargento murieron congelados tras una tormenta de nieve mientras entrenaban en la zona cordillerana de Antuco. Lejos de todo intento de reproducción, reconstrucción, ficcionalización o intelectualización del caso, Collío apela más bien a una evocación lírica (y cinematográfica, claro), a partir de imágenes en blanco y negro (el cuartel vacío, las tumbas, etc.), de efectos visuales y de escenas de animación artesanal, más un inteligente uso en segundo plano de sonidos y voces que nos transportan a aquella tragedia. DB

-Prose du Transsibérien (Suiza, 11’), de David Epiney. Un viaje en tren (el Transiberiano) y los textos del libro homónimo coescrito en 1913 por Blaise Cendrars y Sonia Delaunay-Terk son los ejes de este corto que combina imágenes reales (la nieve de Siberia) y animadas para una propuesta indudablemente bella y poética que combinan con delicadeza elementos del cine experimental, de la plástica y de la literatura. DB

-Seth's Dominion (Canadá, 42’), de Luc Chamberland. Otra película que combina elementos documentales y animados para exaltar la figura de Seth, uno de los más celebrados dibujantes de cómics de Canadá. El film mixtura la palabra del artista (con confesiones íntimas sobre su dura infancia), sus apariciones públicas, su cotidianeidad, sus trabajos (que exceden por mucho sus historietas) en un patchwork visual que intenta capturar la esencia del artista y “dialogar” estéticamente con su obra. DB

-World of Tomorrow (Estados Unidos, 17’), de Don Hertzfeldt. Esta pequeña joyita animada de Hertzfeld imagina el encuentro entre una niña pequeña y un clon suyo de tercera generación que le habla desde el futuro y le cuenta cómo es la vida dentro de más de 200 años, en los que el mundo se ha convertido en un gran dropbox digital de información, en la que las personas “viven” conectadas entre sí, con las diferencias sociales y económicas inmodificadas. Las reflexiones y explicaciones un tanto depresivas y deprimentes de la solitaria y triste versión clonada y futura de la pequeña y simpática Emily se encuentran con las respuestas inocentes de la niña, lo que provoca un efecto entre gracioso y melancólico que le sienta muy bien a este corto animado de ciencia ficción donde el Apocalípsis y el futuro ideal parecerían ser la misma cosa, o dos cosas muy muy parecidas. DL

-Nova Dubai (Brasil, 50’), de Gustavo Vinagre. Inclasificable mediometraje que plantea una suerte de revolución sexual gay para detener una serie de construcciones edilicias en una zona de San Pablo que intentan llamar “Nuevo Dubai”. Pero la película excede a esa simplificación ya que intenta describir a un grupo de personajes en su vida cotidiana (con abundante y muy franca actividad sexual) en la que esa suerte de confusa militancia que se opone al desarrollo urbanístico por medio de una violencia sexual es una parte más de un transcurrir diario que incluye hacer karaoke sobre canciones de Miley Cyrus, circular por la ciudad, hablar y escuchar, en algunos segmentos que apuestan por un tono documental dentro de un todo tan enrarecido como provocativo y original. No será para todos los públicos, previsiblemente, pero es una de las propuestas más arriesgadas de la sección y del cine brasileño reciente. DL


También compiten en esta sección:

-35 y soltera (Argentina / Estados Unidos / España, 75’), de Paula Schargorodsky

-Single Stream (Estados Unidos, 23’), de Toby Lee, Pawel Wojtasik y Ernst Karel

-Starry Eyes (Estados Unidos, 96’), de Kevin Kolsch y Dennis Widmyer

-Léone, mère & fils (Francia, 40’), de Lucile Chaufour

-Letters to Max (Francia, 103’), de Eric Baudelaire

-Madeleine et les deux apaches (Francia, 30’), de Christelle Lheureux

-Wonderful World End (Japón, 82’), de Daigo Matsui


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